Eu adoro contos de fadas. Sou especialmente fã da versão de Hans Christian Andersen de “A Pequena Sereia”, onde ela morre no final. Mesmo com essa paixão, Paul W.S. Anderson levou mais de três décadas para realizar um filme de fantasia. O cineasta cult já explorou praticamente todos os gêneros — muitas vezes misturando vários, como no caso da série “Resident Evil”, que combina ação com zumbis e distopia corporativa, ou “Event Horizon”, que une horror oculto e exploração espacial. No entanto, uma história medieval envolvendo cavaleiros e ninfas sempre o escapou, até agora, com seu novo filme “In the Lost Lands”, uma adaptação de um conto de George R.R. Martin. Trata-se de uma parábola sobre “cuidado com o que você deseja”, com consequências sombrias e sangrentas. O filme traz Dave Bautista como Boyce, um caçador contratado pela realeza que recorre aos poderes de Gray Alys (Milla Jovovich, perfeita no papel de uma figura descrita por Martin como “uma mulher esbelta, pequena e de alguma forma atemporal, com olhos cinzentos e profundos”).
“Sempre fui uma criança que amava ler. Me destaquei em mitologia grega, egípcia e nórdica. Sinto que estava me preparando a vida toda para interpretar um personagem como Gray Alys”, diz Jovovich. “Ela é obrigada a conceder desejos, mas entende que isso é uma maldição. Isso me fez compreender sua vulnerabilidade e o quão isolada ela deve se sentir.” Os dois lobos solitários atravessam um deserto de cânions imensos, cidades abandonadas e campos de petróleo em chamas, tudo criado digitalmente em frente a telas azuis. Embora isso seja padrão no cinema de gênero, Anderson estava determinado a evitar as limitações técnicas que viu em outras produções modernas.
“É um problema que muitos filmes caros enfrentam. Se você filma o ator contra uma tela azul e não sabe exatamente como será o fundo, como pode iluminar o primeiro plano para combinar com o fundo? A resposta é: você não pode”, explica Anderson. “Então, as pessoas usam uma iluminação genérica na tela azul, onde tudo fica visível, porque não querem perder detalhes. Mas isso significa que você nunca consegue uma iluminação dramática no ator.”
A produção desenvolveu um sistema único de “rastreamento de campo estelar” para o estúdio, com cerca de 350 pontos de referência no teto — “como um navio antigo, onde você navegava pelas estrelas”, descreve Anderson. “Os caras estavam literalmente escrevendo o código um dia antes de começarmos a filmar”, ele conta. “Cada câmera de ação ao vivo tinha outra câmera acoplada, apontando para o campo estelar. Se ela visse cerca de 35 estrelas, saberia exatamente onde estava no espaço do nosso cenário virtual.”
Usando esses pontos de referência, a câmera podia ser orientada no mundo digital, composta e renderizada no set pelo Unreal Engine. Antes das filmagens principais, Anderson passou mais de um ano trabalhando com seu supervisor de efeitos visuais, Dennis Berardi, para desenvolver o visual e o escopo das Terras Perdidas. “Quando chegamos ao set, o mundo já estava lá”, diz Jovovich. “Nos 20 metros ao nosso redor, tínhamos efeitos práticos. Tudo além disso era tela azul, mas você podia assistir ao playback e ver o mundo. Isso tornou tudo muito mais tangível para mim como atriz.”
“Todo o trabalho que tradicionalmente é feito na pós-produção, nós fizemos na pré-produção. Esses locais precisavam existir antes, de uma forma que pudéssemos caminhar por eles e dizer: ‘Vamos enquadrar aqui'”, explica Anderson. “No Unreal Engine, você pode alterar a posição do sol. Então, o diretor de fotografia podia ajustar a posição da luz no set. As duas imagens eram instantaneamente combinadas. Foi assim que fizemos a cena de ação inicial com Dave, onde ele aparece em silhueta. Tomamos decisões ousadas de iluminação em tempo real porque tínhamos essa possibilidade.”
“Não parecia um filme grande enquanto estávamos filmando. Parecia pequeno e íntimo”, diz Bautista. “Eu tinha tudo o que precisava ao meu redor.”
“Embora Dave e Milla sejam experientes em atuar diante de uma tela verde e olhando para uma bola de tênis, essa não é a forma ideal de trabalhar. Sendo casado com uma atriz, eu sei disso”, diz Anderson. (O diretor e Jovovich se casaram em 2009 e já fizeram sete filmes juntos.) “O ambiente evoca uma resposta emocional dos atores; privá-los desse ambiente é privá-los dessa resposta.”
A abordagem técnica deu a Bautista e Jovovich mais liberdade em suas atuações do que uma produção repleta de efeitos visuais normalmente permite. A interação íntima e evolutiva entre os dois conduz “In the Lost Lands” de uma cena para outra, proporcionando ao filme uma corrente emocional surpreendente. A química foi tão vibrante que Anderson se sentiu inspirado a mudar o final original da história de Martin.
O diretor não é estranho a testes de audiência difíceis. (Os esforços da Paramount para transformar “Event Horizon” em um blockbuster de verão são bem conhecidos.) Mas Anderson nunca esteve tão nervoso quanto ao mostrar o filme para Martin. “Mudamos o final durante as filmagens”, revela Anderson. “Sentado na casa de George em Santa Fe, foi o momento mais estressante que já vivi em um cinema… Quando ele se virou no final do filme — e ele tem um ótimo timing cômico — e me encarou. Eu não tinha ideia do que ele estava pensando. Então ele disse: ‘Adorei!’ Passei do momento mais estressante da minha vida para provavelmente o melhor que já me senti em um cinema.”
A quantidade de cenas com tela azul em “In the Lost Lands” é uma nova técnica para você. Por que escolheu essa abordagem? Tudo surgiu da história de George, na verdade. Lendo o conto, as Terras Perdidas eram sencientes. Era como entrar no Hotel Overlook e pensar: “Meu Deus, isso está vivo”. Era uma paisagem assombrada. Por isso, achei que era a abordagem correta. Embora se passe no futuro, a sociedade regrediu a um estado feudal, o que me remeteu a pinturas de época. Queria que o filme tivesse um visual pictórico. Deveria parecer a graphic novel que Hieronymus Bosch nunca escreveu.
Existem outras tecnologias de efeitos estabelecidas, como as telas de LED de 360 graus que compõem o Volume. Por que não usá-las? Para mim, o problema do Volume é que você precisa tomar decisões importantes sobre os movimentos da câmera antes. Se os atores disserem: “Ah, estive pensando nessa cena e gostaria de ir para lá”, os técnicos respondem: “Não, não pode. Não construímos isso.” Isso priva os atores de muita criatividade. Para mim, há magia nos efeitos visuais, mas a verdadeira magia no set são os atores, quando trazem suas percepções para as cenas.
É verdade que a abordagem de “In the Lost Lands” foi mais barata também? Certamente é mais econômica do que filmar contra uma parede virtual. O problema com essas paredes é que você fica preso ao que filma. Se não gostar, tem que transformar em um efeito visual. Agora você está pagando duas vezes. Você paga pela parede virtual — porque o aluguel do estúdio é enorme — e espera que isso seja justificado pela imagem capturada na câmera. Mas se a junção entre a parede e o chão não estiver correta, ou se um dos cubos de LED queimar e houver cubos pretos flutuando no fundo, ou se a parede estiver muito nítida e você não conseguir desfocá-la o suficiente, então ela se torna um efeito visual de qualquer maneira. Você está pagando pela parede e pelo efeito visual. E, na minha opinião, está limitando a criatividade no set. Talvez funcione para alguns cineastas. Tanto Dave quanto Milla têm presenças marcantes, e eu queria a contribuição deles no bloqueio; na maioria das vezes, isso só acontece no dia, então eu relutava em tomar decisões por eles. Isso negaria a contribuição que eles podem trazer.
Mesmo evitando esses problemas, a produção enfrentou seus próprios desafios técnicos? Os técnicos tiveram que criar um sistema onde a tela azul se movia para cima e para baixo, como uma grade de castelo. Isso permitia que nosso diretor de fotografia posicionasse as luzes exatamente onde queria. Foi uma construção incrível, porque esse tipo de coisa simplesmente não existe. Você tem que construir. É o “maior conjunto de trem” que Orson Welles mencionou.
Os visuais que você obteve são diferentes de qualquer coisa em seus filmes anteriores. Você se vê filmando outro filme dessa forma? Não diria que estou casado com essa técnica. Adorei desenvolver a tecnologia e adorei o visual que conseguimos. Mas é um visual muito específico. É uma ótima ferramenta para um certo tipo de história, e eu a recomendaria de coração. E foi praticamente à prova de falhas quando começamos a filmar. Filmamos em cerca de 43 dias, o que, para um filme com um visual tão grandioso, é incrível.
O conto original de George R.R. Martin não é muito longo. O que inspirou você a adicionar elementos como iconografia cristã e duelos de faroeste? No trabalho de George, ele é muito fascinado pela relação entre igreja e estado — a animosidade entre os dois. E em tempos difíceis, as pessoas definitivamente abraçam a religião. E graficamente, é muito impactante. Gostei de Deirdre [Mullins] interpretando a Enforcer, porque ela traz uma vibe de Inquisição Espanhola. Ela tinha um belo cabelo antes de chegar ao set. A história de George também tem muitos elementos de faroeste spaghetti. É sobre dois personagens que não confiam um no outro, que se traem, mas aprendem a se apreciar. Esse é o modelo de “Por uns Dólares a Mais” e “Duas Mulas para uma Irmã Sara”.
Você já está trabalhando em seu próximo filme, uma adaptação da franquia de videogames “House of the Dead”, da Sega. O roteiro está quase pronto. Estamos planejando filmar no último trimestre deste ano. Vou realmente inovar nesse projeto. Será algo diferente para mim. É um filme de terror completo? Você não fez um desde “Event Horizon”, em 1997. Sim, exatamente isso. Será imersivo e muito, muito assustador. Tudo acontecerá em tempo real, refletindo a experiência de jogar o videogame. A única vez que para é quando você vence o jogo ou morre. Essa será a única saída.
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Este artigo foi inspirado no original disponível em variety.com